UNIVERSAL MUSIC GROUPE

Le livre de Pascal nègre
Sans Contrefaçon



Pascal Nègre, le PDG d'Universal Music France annonce la sortie de son livre
"Sans Contrefaçon",
disponible en librairie à partir du 3 novembre 2010 aux éditions Fayard.

Quelques coups de gueule contre le téléchargement illégal,
un rôle souvent présenté comme ingrat dans le cadre de l'« affaire Johnny »
et les remises de prix de la « Star Academy »,
voilà à quoi se résume généralement l'image de Pascal Nègre aux yeux du grand public.
Autant d'arbres qui cachent la forêt.

Car l'entreprise qu'il dirige depuis plus de quinze ans est surtout,
avant tout, une de celles qui permet chaque jour à des millions de Français
d'écouter de la musique.

Ce métier, mal connu et objet de multiples fantasmes,
a besoin aujourd'hui d'être expliqué - et défendu face aux bouleversements
qu'il a subis ces dernières années.
La dématérialisation de la musique et la crise du disque qui en a découlé
ont en effet permis à Pascal Nègre de tirer des leçons qui concernent
l'ensemble des industries dites « de contenu ».

C'est tout le problème de la place de l'art et de la culture dans la société
qui se trouve ainsi mis en lumière.
Les produits culturels peuvent-ils devenir gratuits sans porter un coup fatal à la création ?
Le rôle des professionnels de la culture est-il vraiment devenu obsolète ?

Croit-on sincèrement que la disparition des intermédiaires
entre les artistes et le public améliorera la qualité et la diversité des œuvres proposées ?

L'économie propre aux maisons de disques permettait
à celles-ci de soutenir des artistes confrontés à des périodes moins fastes,
de relancer des carrières, d'investir dans de nouveaux talents,
de prendre part à l'élaboration de la musique de demain.
La mise à mal de ce système ne risque-t-il pas d'entraîner
un appauvrissement du paysage musical en France ?

Et comment le fait d'écouter des chansons en fichiers compressés
sur les minuscules enceintes d'un ordinateur pourrait-il être considéré
comme un mieux pour la musique ?

La crise du disque n'a-t-elle pas d'ores et déjà porté atteinte à la musique
dans ce qu'elle a de plus fondamental en détériorant le son ?

N'hésitant pas à hausser le ton,
Pascal Nègre abandonne ici la retenue habituelle des chefs d'entreprise.
Ce qu'il dit de la musique s'applique déjà en partie au cinéma, à la photographie,
et demain concernera le livre.
Les métiers de la création vivent un moment crucial de leur histoire,
que le président d'Universal analyse avec une bonne longueur d'avance.

INFO UNIVERSAL

TRES BON TEASING !!!



SUR UN AIR DE MYLENE FARMER
vous connaissez la chanson ?

... Dis Maman !
pourquoi on a plus de belles chansons ? ...

Puisqu'il faut choisir
A mots doux je peux le dire
Sans Contrefaçon
c'est un grand Patron
Et pour un empire
Je ne vais pas le contredire
Puisque Sans Contrefaçon
c'est un grand Patron

Tout seul dans son bureau
Les yeux cernés de noir
A l'abri des regards
Il défie le hasard
même pas ringard
Dans ce monde qui n'a ni queue ni tête
il n'en fait qu'à sa tête
il sait aussi faire la fête

Tour à tour on l'agace
De vos résolutions
il n'admets aucune menace
Ses solutions
il s'en fout bien des qu'en dira-t-on
Il est caméléon
Prenez garde à ses soldats de plomb
C'est eux qui vous tueront

Puisqu'il faut choisir
des bonnes chansons
sans contrefaçon
qu'il feuillette son catalogue
il en sortira bien un artiste en vogue
Dans la musique
il n'y a jamais d'épilogue.

Le costume Blanc c'est un clin d'oeil
à Eddy Barclay ... NON !

Pascal Nègre - SANS CONTREFACON

"Sans contrefaçon", en librairie ce mercredi, le président d’Universal Music – qui fut également juré à la Star Ac – revient longuement sur le cas Johnny Hallyday.

"La musique a été sacrifiée sur l’autel du Net"


Pascal Nègre Dans son autobiographie, Pascal Nègre – ici, avec Scarface, son labrador – consacre un chapitre entier à Johnny Hallyday dont il dit avoir "réussi à casser l’image de Guignol que lui avait donnée Canal +". Patrick Bar

Pascal Nègre : “La musique est partout, plus vivante et présente que jamais "

Il dirige Universal Music, la plus grande major du disque et martèle depuis dix ans son refus de la musique gratuite.

Alors que le secteur reprend des couleurs grâce aux abonnements, Pascal Nègre revient sur ces années noires, le mythe de l'amateur-roi, et l'image désastreuse d'un métier qu'il estime méconnu : le sien.




Pourquoi interviewer Pascal Nègre ?

Vous serez sans doute nombreux, internautes, à vous poser cette question. L'homme a plutôt mauvaise presse.

D'abord parce qu'il est le patron, pour la France (et quelques autres pays dans le monde), de la plus grande major, Universal Music - qui vend quatre disques sur dix en France, trois sur dix dans le monde. Ensuite parce que toute l'industrie du disque, en soi, est assez mal vue, en raison de griefs listés dans notre article dans Télérama.

Ce qui n'arrange rien pour Nègre en particulier, c'est qu'il a investi avec un plaisir évident les habits de membre du jury de la Star Ac', clinquant radio-crochet de TF1, co-produit par Universal de 2001 à 2008, qui publiait chaque année les disques des lauréats. Une figure volontairement très exposée, et qui assume totalement son goût pour la variété.

Eh bien justement, c'est pour toutes ces raisons que nous avons souhaité l'interviewer. En qualité de grand témoin, et d'acteur majeur au sein d'une industrie qui se sait mal jugée, mais aussi mal connue.

Pour ces raisons, donc, et d'autres : parce qu'il est à la tête d'Universal Music, Pascal Nègre veille aussi, à son poste, sur les destinées d'artistes qui nous passionnent bien plus que Jenifer ou Martin Solveig. Des labels comme Island et Barclay faisant partie de l'écurie Vivendi (l'actionnaire de la major), il est étroitement associé aux parcours de PJ Harvey, Björk, ou plus récemment Arcade Fire et Cold War Kids.

C'est donc son regard global (des grosses productions commerciales aux groupes rock dont personne ne conteste l'intégrité artistique) sur les métiers du disque que nous avons sollicité.

Pascal Nègre : Ça va mieux, oui, vraiment mieux... Les plans sociaux spectaculaires – du genre 15 % des effectifs en moins – sont finis.

Et pour l’ambiance dans les labels, ça change tout, car un plan social, c’est affreux, c’est minant pour tout le monde. Et il y a deux ou trois ans, c’est vrai que l’ambiance était terrible…

Bon, chez Universal, on est plutôt passés à travers, car nous nous étions déjà adaptés aux changements du marché, on était au plus juste, ou en tout cas on essayait de l’être, et j’ai surtout le sentiment d’avoir pu préserver l’essentiel dans nos labels, c’est-à-dire toute la partie artistique, créative.

Chez nous, on n’a pas touché à ça, aux budgets de signature et de production de musique. Donc Universal a aussi souffert, évidemment, mais nos moyens en terme de créativité sont intacts.Depuis quelques mois, les ventes de disques baissent quand même beaucoup moins, alors les gens retrouvent le sourire. Et puis, avec Internet, le travail est redevenu excitant. Il y a des choses à inventer, c’est très stimulant.

On peut aussi créer des choses sans compter obligatoirement, comme avant, sur les médias classiques, qui sont souvent à la traîne. Il y a beaucoup moins de place pour la culture dans les magazines aujourd’hui, dans les grands hebdos, par exemple.

Quant à la radio et la télévision, c’est carrément la catastrophe totale. Mais avec le Web, on peut quand même, nous, promouvoir nos artistes. On passe par d’autres canaux que les médias traditionnels, ça amène un peu d’air frais. On vient par exemple de lancer Off-TV sur le Web, un programme de vidéos qui concernent toutes des artistes des labels d’Universal.

L’idée, c’est que, puisqu’il n’y a plus de musique à la télé, on va créer nos propres programmes et les mettre sur Internet. Les années très dures qu’on a vécues ont aussi permis la mise en place plus rapide de ce genre d’idées.

L’impression d’être sur une sorte de position avancée, archi-exposée, parce que la musique, tout le monde aime ça, et que c’est simple à télécharger. Du coup, évidemment, c’est nous qui avons essuyé les plâtres et pris de plein fouet ce phénomène qu’était devenu le téléchargement illégal. En fait, depuis dix ans, on a eu l’impression d’être en première ligne.

De prendre les coups dans la tête avant tout le monde, les autres industries, le cinéma, le livre, la presse. Mais on est aussi les premiers à trouver un nouveau souffle, entre autres grâce à des modèles d’abonnement à la musique payants viables. On a souffert en premier, mais on se remet aussi à y croire avant les autres.

Et du coup, là où on passait pour les ringards il y a trois ou quatre ans, on commence à nous regarder autrement, comme les pionniers d’une nouvelle époque.

Beaucoup de métiers liés à des contenus, comme la presse ou la télé, observent ce qui se passe dans la musique avec intérêt, et désormais un brin d’espoir. Car tout le monde sait bien que si le métier du disque meurt, tous les autres secteurs de la culture et du savoir vont suivre. Mais si on s’en sort, alors peut-être…

Il n’y a pas si longtemps encore, on lisait qu’on allait assister à l’avènement des artistes amateurs. Que pour les pros de la musique, c’était cuit, qu’ils étaient dépassés, et toute la filiale avec, on n’avait plus besoin d’eux, plus besoin de nous, vu que les amateurs allaient s’en sortir tout seul, grâce au home-studio, grâce à Internet et aux réseaux sociaux.

Moi, quand je lis ce genre de prévision ou de pseudo-analyse, je me dis que si ce genre d’idées progresse, c’est aussi parce qu’il y a beaucoup de journalistes amateurs pour écrire des trucs pareils !

Quand je vois qu’un blogger peut écrire n’importe quoi et être repris sur des sites très lus, comme Le Post.fr, je suis atterré. J’ai rien contre l’amateurisme en soi, que je respecte évidemment, mais faut quand même pas tout mélanger.

Un exemple parlant : sur Wikipedia, ma fiche perso contient des erreurs factuelles importantes (je n’ai jamais été président du SNEP) et je n’arrive pas à les faire corriger. Or, pour beaucoup, Wikipedia, c’est la référence. Ben non, bien souvent, c’est du travail d’amateur...

Heureusement, je pense qu’on en sort enfin, de tout ça, ces mythes sur l’amateur-roi, sur la gratuité également. On dirait que la raison commence un peu à émerger à nouveau, et que les gens comprennent que, dans le milieu de la musique, il y a en réalité beaucoup de métiers différents, complémentaires, et beaucoup de compétences, qui ont une valeur, et qui sont nécessaires dans le développement d’une carrière d’artiste.

Et puis la musique, ce n’est pas une science exacte, il n’y a pas de schéma tracé à l’avance et qui vaudrait à chaque fois. Il y a des indépendants qui peuvent s’en sortir très bien tout seuls, et des artistes signés sur des majors qui peuvent se planter.

Mais il y a aussi des tas de fois où les gens qui sont des professionnels de la musique prouvent à quel point leur travail, leur apport, est important.

En fait, on a deux métiers, c’est 1/ découvrir et produire 2/ faire connaître. S’enflammer, et enflammer les autres. Et dans les deux cas, ça demande beaucoup d’argent et beaucoup de savoir-faire. Et ce n’est pas parce qu’on a traversé une énorme crise des ventes et qu’Internet s’est imposé comme un outil majeur que ces fondamentaux sont modifiés. Notre travail de fond reste le même.

Oui, beaucoup de gens ont quitté le métier, et je ne doute pas que cela soit durement ressenti par beaucoup d’entre eux, mais il faut aussi parler des entrants : chez Universal, j’ai pas mal de jeunes, des gens de 22 ou 23 ans, la nouvelle génération, des fous d’internet et de nouvelles technos, et ils apportent déjà des choses à la maison, une fraîcheur, une relation différente au public, via le management de communautés par exemple, le rapport à l’image, la vidéo, les nouveaux modes d’écoute.

Je sens vraiment que l’amour de la musique et l’envie de défendre les artistes, de leur donner les moyens de s’exposer, redeviennent la préoccupation centrale dans les maisons de disques.

Les années 90 ont été trop marquées par le marketing. Il y a des gens dans le métier qui ont vraiment abusé là-dessus, des gens qui t’expliquaient qu’il suffisait de prendre de la pub à la télé pour n’importe quel artiste pour qu’il ait du succès, ce qui est évidemment une ineptie.

Et les gens qui croyaient ça ont fait un tort énorme au métier, car ils ont marqué les esprits alors qu’en fait ils étaient très minoritaires dans le milieu ! Minoritaires et de passage, puisqu’ils ne sont plus là aujourd’hui. En fait, ils étaient là pour les mauvaises raisons, la frime, le fric, et ils sont repartis avec la crise…

Aujourd’hui, dans les maisons de disques, on croise à nouveau très majoritairement des fous de musique, ou bien des fous de musique et de nouvelles technos.

“L’idée de payer un abonnement pour écouter autant qu’on veut ‘en streaming’ s’installe vraiment.”

La grande tendance du moment, c’est l’adoption par le public du système des abonnements à des services d’écoute en streaming, comme Spotify.

Tout va vite ! Une année dans le numérique, c’est comme un an pour un chat : c’est sept ans dans la vraie vie.

Le principe de l’abonnement à un site comme Spotify n’existait pas il y a deux ans, et là, en si peu de temps, on est déjà à un million de comptes payants ouverts.

Et il y aussi Deezer, qui propose du payant, en partenariat avec Orange, et bientôt d’autres. L’idée de payer un abonnement pour écouter autant qu’on veut « en streaming » s’installe vraiment.

Et ça s’installe vite, et profondément, je crois. C’est une bonne nouvelle pour tous les métiers de la musique, les producteurs comme nous, mais aussi les gens des studios, les musiciens, les tourneurs, toute la filière. Même si, selon moi, ce mode d’écoute ne sera qu’une partie du paysage, et donc de nos revenus.

Oui, et les termes de cette sorte de contrat tacite entre le public et les producteurs semblent cette fois acceptés de tous. On sort enfin de ce fantasme du tout-gratuit, qui était juste injouable pour nous. Gratuit, ou faussement gratuit, quand c’est la pub qui finance.

Mais soyons clairs à nouveau : le modèle Deezer gratuit, avec « streaming » financé par la pub, ça ne peut vraiment pas coller pour nous.
Les types de Deezer sont venus nous proposer leur système, « on va faire un jukebox gratuit financé par la pub », mais nous on a répondu : « non merci, c’est très gentil, mais avec votre mode de répartition, nous, on meurt ».

Avec 0,1 centime par titre écouté, dites-moi comment les maisons de disques peuvent vivre, produire des artistes, les aider à se faire connaître… ?

Moi, je suis un enfant du disque, de la bande FM et de la pub télé. Quand je suis arrivé dans le métier, en 1985, c’était les trois outils majeurs. Les radios bougeaient vraiment et soutenaient la musique, le CD commençait à générer beaucoup d’argent, et la pub à la télé était perçue comme l’arme fatale.

Eh bien, aujourd’hui, on retrouve à peu près le même schéma : on a un nouveau support, le numérique, et un nouvel outil de promotion globale, qui est Internet, qu’on utilise à la fois pour la diffusion et le marketing.

La technologie change, mais les problématiques et les logiques à l’œuvre sont les mêmes : il s’agit de défendre des artistes qu’on a choisis, et de les aider à se faire connaître avec les moyens d’aujourd’hui.

Et ceux qui disaient il y a quelques années que notre industrie avait peur du numérique sont les mêmes qui regardent maintenant à la loupe de quelle manière nous l’utilisons !

Il y a plus de créativité autour du numérique dans le milieu du disque que dans tous les autres domaines !

Et c’est logique, car il y a une pression plus grande aujourd’hui, un état de fait qui nous pousse à être moins indulgents sur toute la ligne : l’artiste est moins indulgent avec lui-même, la maison de disques l’est moins avec l’artiste, et elle l’est moins avec elle-même. Franchement, aujourd’hui, ça bosse et ça invente. On ne peut plus se permettre les facilités.

“Moi, je dois penser à signer des choses qu’on écoutera encore quand je serai mort.”

Pendant cette énorme crise, on n’a pas assez pris le temps d’expliquer. On était pris dans une sorte de panique, alors on n’a pas su raconter ce qui nous arrivait et pourquoi c’était profondément injuste.

On n’a pas su être pédagogues sur les métiers de la musique, leur complexité, le savoir-faire.
On n’a pas su montrer le travail en studio avec les artistes, tout ce qui se passe en coulisses, tout ce qui est à mettre à notre crédit et que le public ne voit jamais.


On n’a sans doute pas su montrer, notamment, à quel point la musique que nous produisons est riche et variée.
Beaucoup m’ont vu comme le type qu’on voit à la Star academy et qui ne produit que de la variété.
Alors qu’en réalité Universal, avec ses différents labels, c’est une grande diversité.

De la chanson, du rock, du jazz, du classique, des choses populaires, aussi, oui, mais également des choses pointues. Or, cette diversité, j’en suis hyper fier et je la revendique à 100 %.

A mon poste, je dois la garantir, l’encourager et ne surtout pas suivre mes seuls goûts personnels. J’assume entièrement la variété que nous produisons autant que le rock le plus inventif.

Et quand la crise était à son paroxysme, et que tout le monde ou presque nous donnait pour morts, j’ai fait quoi ? J’ai créé un nouveau label, AZ, en plus de Polydor, Barclay, Island et les autres.

Parce que je pensais qu’il fallait se bouger encore plus et proposer plus de musique, plus variée encore, au public. Universal, c’est la seule major où l’on n’a pas touché aux budgets de création.

Tout ce qui est artistique et enregistrement, on a maintenu, alors qu’on diminuait nos dépenses sur toute la partie administrative et la partie commerciale.
D’un coup, on avait beaucoup moins de comptables et de représentants sur la route ; par contre, on a gardé nos directeurs artistiques et nos budgets d’enregistrement...


D’autres majors ont fait autrement, elles ont reposé sur leur « back-catalogue » [l’ensemble des disques passés toujours au catalogue, NDLR], ce qui peut certes suffire à générer beaucoup de revenus assez facilement, mais n’aide vraiment pas à préparer l’avenir.

Je dois ajouter que le fait que la direction d’Universal – et de tous les labels, avec leurs directeurs – ait été stable depuis longtemps [Pascal Nègre est président depuis 1998, NDLR], nous a aussi aidé à passer la tempête.

Ce n’est pas pour m’envoyer des fleurs, mais honnêtement, cette stabilité, dont la mienne, ça a joué vraiment.

Sur les formats physiques, vinyle et CD, c’est à peu près 20 %. Dans le numérique payant, ça grimpe à 40 %, et plus surprenant, du côté de l’écoute en streaming gratuit, c’est 60 %.

Ben oui, les gens adorent écouter la « vieille chanson » qu’ils adorent sur le Web…

On se trompe quand on pense qu’Internet est forcément synonyme de nouveauté et de branchitude. Moi, je dois penser à signer des choses qu’on écoutera encore quand je serai mort. Ça fait partie de mon métier.

Si, chaque année, j’arrive à trouver deux ou trois chansons qui me survivront, qu’on entendra encore à la radio dans cinquante ans, alors je suis content de moi, de nous.

Cette partie-là du métier, c’est notre côté développement durable, alors que le public nous voit comme une industrie volage, des gens qui essaient seulement d’être à la mode, de capter le goût du moment.

En réalité, les nouveautés, ce n’est qu’un bout de notre activité, qui consiste aussi à fabriquer et à faire fructifier un patrimoine.

Sa qualité première, comme avant, c’est la curiosité. Il doit aussi avoir une culture musicale très forte, mais la sienne – plutôt que de vouloir tout connaître sur tout.

Je préfère un type qui est fou de rap et vomit tout le reste, plutôt qu’un DA soi-disant œcuménique. Il doit aussi s’intéresser de très près au mode d’emploi : telle bonne chanson, qu’il a entendue à la radio ou chez des potes, comment a-t-elle été faite ?

Dans quel studio, avec quel producteur ? Moi-même, j’ai tout le temps cette tournure d’esprit, j’essaie sans cesse de comprendre comment un truc a été fait.

C’est comme quand tu vas au restaurant, tu te dis d’abord : « c’est bon », mais tu te dis aussi : « C’est fait comment ? Y’a quoi dans sa sauce ? Et quel autre chef a pu inspirer ce plat ? » Tous ces trucs-là me passionnent…

Et pour ce qui est des moments en studio d'enregistrement, le travail de base n’a pas changé depuis que je suis dans ce métier. Le DA qui suit la session d’enregistrement, ou moi-même quand j’y passe, on ne guette qu’un truc : la bonne chanson. C’est le nerf de la guerre, et ça ne change pas. La chanson, le son et, pour les artistes français, le texte. C’est ça qu’on recherche.

“Internet a poussé beaucoup d’artistes français à chanter en anglais.
Ça a donné des réussites, mais pas que.”

Ils ne reçoivent plus des sacs de cassettes, comme dans les années 80, ou des CD gravés, comme dans les années 90 et 2000.

Maintenant, ils reçoivent des liens vers les pages MySpace, parce que c’est sur le numérique que tout se passe.

Et puis ils sont évidemment au courant des noms qui commencent à monter dans la profession, tout le monde observe tout le monde, et c’est de bonne guerre. Ils continuent aussi à aller voir des spectacles, des jeunes artistes, des petits concerts et puis ils surveillent le « buzz », ils tentent de savoir si les artistes ont un vrai « following ».

Stromae, par exemple, on l’a signé pour la force de ses chansons, le talent qui nous sautait au visage, mais aussi parce qu’il y avait un sacré début de buzz, quelque chose comme 300 000 pages vues sur son MySpace.

Mais le buzz, ça ne garantit pas un bon disque dans les mois qui suivent. Peut-être un bon premier single, mais pas forcément un bon album…

Ben justement, c’est là qu’un artiste va avoir sacrément besoin d’une bonne maison de disques, d’un DA qui l’encadre, d’une équipe qui l’accompagne. Il a besoin de regards extérieurs, de contacts, d’expertise, besoin de temps et d’argent aussi pour essayer des choses à son rythme et à l'arrivée bâtir un bon album !

Quand iTunes est arrivé, on nous a dit : l’album, c’est mort, c’est un format dépassé ; désormais, les gens n’achètent plus que un ou deux morceaux, ils ne prennent pas le disque complet, parce vos albums, c’est de la merde. Il n’y a que deux titres bien, ce sont ceux qu’on entend à la radio, et puis voilà.
Et c’est bien fait pour vous ! Argument débile, non ? C’est comme si on vous disait, à vous, la presse : plus personne n’achète vos journaux car il n’y a que deux articles valables à l’intérieur…

En fait, je ne crois pas à l’argument de la qualité en baisse. Je pense juste qu’Internet est un peu une machine à zapper, et que ça demande de la curiosité, pour le fan de musique, de découvrir tout un album. Mais cette curiosité, pour moi, est loin d’être morte.

Aujourd’hui, ce qu’on constate, c’est justement que la plus grosse progression des ventes, en numérique, concerne les albums. Les ventes de morceaux extraits progressent de 20 %, mais les albums, eux, grimpent de 50 %.

Et ça représente la moitié du chiffre d’affaires qu’on fait avec iTunes. Le public reste donc fidèle à ce format, qui est magnifique.

“Quand on se retrouve entre patrons d'Universal à Londres ou à New York, on se parle popotte ! On se parle “tour de main” !

Mais le contenu des disques évolue, non ? On a souvent l’impression d’albums plus disparates, de productions moins cohérentes…

On ose davantage le collage. Plusieurs équipes ou producteurs différents peuvent bosser sur le même album, c’est vrai ; on peut aussi passer d’un studio à l’autre, ou terminer dans un studio professionnel à gros budget quelque chose qui aura été commencé à la maison, avec très peu de matériel…

Mais le public me semble aussi avoir des goûts plus variés qu’avant, et encourager ce mouvement. Les chapelles tombent peu à peu, le numérique permet de dépasser les niches, les gens piochent, ils mélangent, ils font leur marché. Et moi, avec mes goûts, ma culture personnelle, qui est justement comme ça, variée, métissée, ça me plaît bien, je trouve ça très sympathique.

Ouf, il y a un peu moins de racisme musical qu’avant ! Les minots qui écoutent du rap écoutent aussi Black Eyed Peas et, de là, ils peuvent s’intéresser à de l’électro, de la disco, il y a des passerelles qui se mettent plus facilement en place. Alors qu’il y a dix ans, si t’écoutais du rap, tu n’écoutais strictement que ça.

Par contre, il y a une évolution que je regrette, personnellement, c’est de constater qu’Internet a aussi poussé beaucoup d’artistes français à chanter en anglais parce qu’ils se sont dit que c’était bon pour leur carrière, et que l’international leur tendait les bras. Ça a donné des réussites, mais pas que. Ça peut être un piège, une mauvaise idée. Je suis sûr qu’il y a des gens qui se seraient imposés s’ils avaient choisi de rester fidèle à la langue française…

Mais bon, je suis peut-être particulièrement sensible à cette question, et à la magie de la langue française, du fait de mes attributions et de mes déplacements très fréquents à l’étranger. Je suis un des trois patrons d’Universal à l’échelle internationale, et je couvre donc une partie du Globe en plus de la France. Ça me permet sans doute mieux d’apprécier les qualités spécifiques de la production dans notre pays.

Il y a de ça, évidemment, mais ce n’est franchement pas le plus passionnant. En fait, quand on se retrouve à Londres ou à New York, on aime bien dîner ensemble après les réunions un peu sérieuses pour se parler du métier et se parler musique, mais s’en parler vraiment, techniquement, en profondeur.

Pour reprendre mon image de cuisine, on se parle popotte ! On se parle « tour de main » !

On s’échange des trucs, des expériences. L’un explique que, dans son pays, il est en train de louper sa mayonnaise sur tel ou tel lancement de disque, alors les autres convoquent leurs souvenirs sur des cas comparables. « Moi, j’avais fait comme ça, tu devrais peut-être essayer… »

Tous les patrons des branches nationales d’Universal, dans le monde, ont une part de leur bonus fondée sur leur capacité à développer de nouveaux artistes. En clair, si tu arrives à faire percer des projets, tu seras mieux rémunéré – et c’est une part importante, de l’ordre de 50 % du salaire. C’est un système instauré par nos actionnaires en 2005, en pleine crise : en terme de symbole, ce n’est quand même pas rien !

Ça veut dire qu’Universal croit au disque, à la musique, aux nouveaux artistes, et qu’il faut signer des nouveaux talents pour l’avenir. Or je crois que cette incitation très claire n’existe que chez Universal…

Ben, la liste a de la gueule, non ? Lady Gaga, Black Eyes Peas, Justin Bieber, Mika, Amy Winehouse.

Et, en France, Cœur de Pirate, Olivia Ruiz et d’autres encore. A l’échelle d’Universal France, à travers tous nos labels, on arrive à faire percer 14 ou 15 nouveaux artistes tous les ans – c’est-à-dire des gens qui seront disque d’or, ou pas loin.

En tout, au catalogue, on a en permanence 200 artistes ou groupes français en contrat, dont au moins une centaine qui sont bien installés dans le paysages.

40 signatures par an. Et 40 fins ou ruptures de contrats.

“LadyGaga, c’est un milliard de clics sur ses clips vidéo, c’est dément !
Or, passé un certain cap, je ne suis pas sûr que ce soit le mieux pour elle.”

Non, les Anglo-Saxons sont beaucoup plus pragmatiques. Pour eux, si un premier album auquel ils croyaient beaucoup n’a pas marché, alors il vaut mieux arrêter là et rendre le contrat.

Alors qu’en France, on va essayer à nouveau. On est plus passionnels, plus latins. Mais là-bas, ça tourne beaucoup. Ils signent beaucoup et divorcent beaucoup, et très vite… Cela dit, ça ne veut pas dire que ça soit moins actif chez nous, car, en France, et particulièrement en France, on a quand même assisté à un sacré renouvellement des générations ces derniers temps.

Ça fait du bien, car ce n’était vraiment pas comme ça dans les années 70 ou 80, ou c’était toujours les mêmes noms et à peu près les mêmes disques. Aujourd’hui, ce n’est plus comme ça, tout bouge plus vite.

Je pense que, dans les années qui viennent, les artistes pourront toujours faire de belles et longues carrières, mais c’est devenu beaucoup plus compliqué qu’avant. Et ça, ça vaut pour tout le monde, même les grandes stars américaines.

La chambre d’écho que représente Internet est énorme, mais, parfois, ça peut même être trop : l’artiste se retrouve surexposé, et il aura plus de mal à se maintenir dans la durée. LadyGaga, c’est un milliard de clics sur ses clips vidéo, c’est dément ! Or, passé un certain cap, je ne suis pas sûr que ce soit le mieux pour elle.

Et Internet, tu ne peux rien faire, rien freiner, rien contrôler, pas même l’image de l’artiste. Dans le cas d’une LadyGaga, ça échappe à la maison de disques, ça échappe à tout le monde, ça devient fou. Et le rapport au temps n’est plus du tout le même qu’avant : le succès du disque peut se faire sur un temps très lent, en trois temps distincts et successifs.

Avec le Web, tu as d’abord les branchés qui sont au courant de tout six mois avant la sortie des disque, qui connaissent certains morceaux et font monter le buzz ; tu as ensuite ceux qui achètent le disque quand il sort ; et tu as enfin, en tout cas quand le succès de masse est au rendez-vous, le grand public, qui découvre l’artiste six mois ou un an plus tard, quand toutes les télés du monde se mettent à en parler.

Sauf qu’à ce moment-là, les branchés du début ont tourné le dos depuis longtemps et ne supportent plus l’artiste en question !

Pour une maison de disques, ça peut devenir très compliqué à gérer : tu ne sais plus quand tu dois changer de single, de clip, quand tu dois lancer l’album suivant, ou au contraire continuer à soutenir le précédent, qui commence à dater. Tout devient vite très complexe en termes commerciaux…

Et, en même temps, même si on est confronté à des cas de figures plus compliqués qu’il y a vingt ans, quand il y avait des médias dominants et rien d’autre ou presque à côté, ben nous, ça nous éclate de travailler sur ces nouveaux schémas et d’essayer de ne pas nous tromper. Il faut réinventer les outils, c’est plus créatif aujourd’hui que jamais...

La musique, de toute façon, ça reste quand même magique, un peu mystérieux. Il y a des succès et des échecs qu’on ne peut pas toujours expliquer.

Regardez Charlie Winston : un Anglais, produit par un label français [Atmosphériques, NDLR], qui chante en anglais et cartonne en France. Jusque-là, super. Mais plus étonnant : ça reste un phénomène français, car les Anglais, eux, n’adoptent pas sa musique. Là-bas, dans son pays d’origine, ça ne prend pas.

Alors que Stromae, en téléchargement de singles payants, a été numéro un dans douze pays, en Allemagne, en Italie, partout, avec une chanson, Alors on danse, qui est, comme chacun sait, en français. Un million de téléchargements légaux !

Ce genre d’exemple montre qu’on n’est pas du tout dans une science exacte, et qu’on ne le sera jamais.

“Des gens de 22 ou 23 balais se demandent si c’est le moment de débouler dans le métier, et moi je leur réponds que oui !”

Bien sûr, ça peut arriver. Surtout quand tu démarres dans le métier, tu peux faire des mauvais choix, te tromper sur un truc, un choix de single par exemple. Mais après, tu apprends à faire la tambouille, tu t’y mets, tu apprends sur le tas. Et chaque génération a la possibilité d’apporter son regard, sa sensibilité. Moi, je suis arrivé à un moment où tout basculait.

Quand j’ai commencé, on m’a dit que j’arrivais trop tard, que j’avais raté les fêtes d’Eddy Barclay, qui avait vendu la maison quelques années plus tôt, et que la grande époque, c’était fini et que j’avais tout faux.

Ben non, la suite m’a prouvé que j’avais bien fait de me lancer dans cette carrière… Aujourd’hui, même chose : je pense que des gens de 22 ou 23 balais se demandent si c’est le moment de débouler dans le métier, et moi je leur réponds que oui !

Oui bien sûr, il faut venir, si on aime ça et si on a envie de partager sa passion pour la musique et les artistes ! Il y a de place pour les idées et le désir dans ce milieu, c'est une évidence.

Quand on nous explique que les années 50 ou 60, ou par exemple les débuts de Brel ou Brassens, c’était génial, une sorte d’âge d’or pour la musique, ben non, je réponds que c’est une facilité d’esprit de penser ça !

Ces chanteurs-là, ces futurs géants, eh bien à leurs débuts, ils chantaient devant des gens qui bouffaient dans des casinos, et leur cachet était payé par ces mêmes casinos ou la mairie du coin. Et ça tournait à 200 galas par an, à trois dans une voiture. Alors faut quand même relativiser !

Quand on me dit aujourd’hui que les maisons de disques exploitent leurs artistes, franchement, c’est un peu court… Alors que dans les années 60, pour le coup, c’était vraiment un milieu sans pitié, verrouillé par quelques producteurs, et pour les artistes, c’était pas marrant tous les jours. Les sessions en studio devaient être bouclées en quelques heures, tout se passait à la chaîne, et si la petite chanteuse était malade et avait la voix blanche ce jour-là, eh bien tant pis pour elle, elle chantait quand même !

Les photos pour les pochettes ou la presse, pareil, on faisait tout dans le même studio, avec le même photographe, et tu n’avais pas ton mot à dire.

Et puis faut voir un peu les contrats… Dalida, quand elle a été « signée », a eu royalement droit à 4 % des ventes de ses disques, alors qu’aujourd’hui personne n’aurait l’idée de proposer un contrat en dessous de 8 %.

Exactement, et ça me met hors de moi de constater qu’aujourd’hui, alors que la production est très importante, et le métier beaucoup plus mûr, plus professionnel, eh bien c’est l’inverse : il devient quasi impossible pour un nouveau ou une nouvelle de passer à la radio.

Dans les années 60 et 70, tu n’avais quasiment que des nouveautés à l’antenne, et environ deux heures par jour de titres anciens, une sorte de case nostalgie. Alors qu’aujourd’hui, à peu près 60 % de ce qui est diffusé à la radio se compose d’une sorte de « best of » populaire des années 60, 70 et 80.

Plus de la moitié d’une journée de musique à la radio, c’est ça, les yeux et les oreilles dans le rétroviseur !

Plus largement, à la radio mais aussi à la télé, en 2011, quand tu es un jeune artiste, tu es en concurrence avec toute l’histoire de la musique, tout le gratin des chanteurs et des groupes du passé. Internet, en rendant toute la musique disponible en permanence, et les médias de masse, en choisissant la sécurité de la nostalgie, mettent une pression de folie sur les artistes d’aujourd’hui !

Avec ta chanson, tu te bats non seulement contre les gens de ta génération, mais aussi contre les dix plus gros standards de Balavoine, d'Abba ou des Beatles, qui, eux, passent à la radio en permanence.

C’est un peu comme si on allait dans une boutique de mode et qu’en plus de la collection de l’année, les fringues du moment, dans l’air du temps, on te présentait, dans les rayons, le meilleur des trente collections précédentes.

On est en plein post-modernisme : quand tu es artiste, tu es en permanence en concurrence avec le meilleur des 50 dernières années.

On vit dans l’époque des « revivals », des retours d’artistes que personne ne pensait jamais revoir – encore un effet induit par Internet.

Pour le spectacle vivant, c’est comme pour le disque : l’économie tient globalement le coup, mais il ne faut pas croire que tout le monde s’enrichit, loin de là. Et il n’y a pas plus de visibilité que pour les disques, les modes peuvent passer très vite.

En fait, sur les deux dernières années, les « gros » remplissent comme jamais ; les « moyens » moins qu’avant ; et pour les plus petits, les artistes en développement, c’est carrément l’horreur.

Alors à part pour les tourneurs de tout premier plan, ceux qui ont des stars, c’est vraiment difficile. Il y a tellement d’offre que la personne qui ne peut s’offrir que trois ou quatre concerts par an ne va pas prendre le risque d’aller voir un artiste à peine connu, elle va aller voir ce qu’elle considère comme des valeurs sûres. La prime au vainqueur est énorme.

C’est assez similaire à ce qu’on voit dans le cinéma, où 10 ou 15 films font 90 % des recettes d’une année. Et les autres n’ont pas de quoi bouffer. Il y a des artistes installés qui ont perdu la moitié de leurs concerts, qui ne jouent plus qu’une fois dans une ville au cours d’une année alors qu’ils y jouaient deux fois par an il y a quelques temps.

Cette idée selon laquelle ce que les artistes ont perdu en ventes de disques est largement compensé par ce qu’ils gagnent sur les concerts n’est absolument pas vérifiée sur le terrain.

“Pas une seule radio ne va prendre le risque d’essayer quelque chose,
une différenciation, une audace, rien !”

Non, la frilosité maladive des radios, c’est un problème dans tous les pays. C’est partout pareil : les patrons des radios sont obsédés par leur audience, parce que c’est la seule chose que regardent les annonceurs publicitaires.


Et donc, de peur d’affecter leur sacro-saint chiffre d’audience, ils ne prennent aucun risque sur la musique. Ce qui est particulièrement agaçant, étant donné que rien ne prouve que le public quitterait les ondes si on lui proposait davantage de nouvelle musique ! Mais pas une seule radio ne va prendre le risque d’essayer quelque chose, une différenciation, une audace, rien !

A part Skyrock, dans son genre, et un peu France Inter, qui continue à essayer de défendre des trucs, ou encore, au niveau en dessous, Radio FG et Nova. Mais sinon, tous les autres sont d’une frilosité stupéfiante.

En France, les pouvoirs publics ont essayé de soutenir la production nationale, mais les quotas de diffusion d’artistes locaux sont totalement dévoyés – les chansons passent par exemple à 7 heures du matin…

En fait, quand on parle de nouveaux talents à la radio, 90 % de ce qui est diffusé se concentre sur 12 ou 13 titres. Et ce n’est pas même pas 12 ou 13 nouveaux artistes, mais bien 12 ou 13 titres ! Et quand un truc accroche, on peut l’entendre jusqu’à dix fois par jour, pendant des semaines, jusqu’au dégoût… Dix fois le même truc, et rien pour les autres. Bonjour la diversité…

Ensuite, les types des radios reprochent aux maisons de disques de ne pas sortir assez de nouveaux talents, alors que des milliers de chansons inédites sont publiées chaque année ! Parfois, on a vraiment l’impression qu’on se paye notre tête. Quand je pense que Stromae, qui est numéro un dans les clubs, ne passe pas sur Fun Radio, qui est censée être la radio des clubs, ça me rend dingue.

Oui, et d’ailleurs on a essayé de proposer ce genre de choses, nous-mêmes, dès 2001, mais ça n’a pas bien fonctionné.

Mais, bien sûr, je suis persuadé qu’une grande partie de l’avenir de la musique passe par ces abonnements. De même qu’une partie de l’avenir de la presse à l’ère du numérique passera pas le système d’abonnements à des kiosques virtuels. Cette idée d’un accès payant à un vaste ensemble de contenus, avec la possibilité de partager ses playlists avec ses amis également abonnés, ou encore d’écouter sa musique sur plusieurs lecteurs, de l’ordinateur au téléphone portable, cette idée-là nous semble évidemment très pertinente et pleine de promesses.

Fin 2010, 12 % des foyers suédois avaient déjà un abonnement à Spotify. Alors ils achètent moins de disques sous forme physique, mais ils la payent d’une autre façon, sous forme de forfait.

Mais encore une fois, je suis persuadé qu’il y aura des modèles, et pas un seul. Le téléchargement de titres ou d’albums marche de mieux en mieux, le vinyle reprend fort (c’est la plus grosse progression physique de l’an dernier), et le CD va continuer encore bien des années.

Parce que le plaisir de la collection reste entier. Parce qu’un CD, même si l’objet a pu paraître ringard il y a quelques années, ça se conserve, ça se prête, ça s’échange entre amis. Et je ne crois absolument pas à la disparition des objets. La musique est partout, elle est plus vivante et présente que jamais, et les façons de l’écouter et la posséder seront multiples, et adaptées à chacun.

Concerts privés, téléphonie, merchandising, placement de produits dans les clips... Frappée de plein fouet par la crise du disque, la filiale musicale de Vivendi se diversifie tous azimuts.


L'Olympia, boulevard des Capucines à Paris. A l'affiche ce soir-là : Sting. L'ancien leader du groupe Police donne un concert privé pour la marque d'automobiles Audi, à l'occasion du lancement de la nouvelle A8. Pour ce concert exceptionnel, la rock star, bien connue pour son engagement écologique, accorde un privilège rare au fabricant de grosses cylindrées en ne chantant que ses plus grands succès (Roxane, Message In A Bottle... ). Aucune chanson de son nouvel album, qui est loin d'être un succès commercial. Selon la rumeur, Sting empocherait 500 000 euros pour ce genre de prestation. En coulisses, c'est Universal, sa maison de disques, également propriétaire de l'Olympia, qui s'est occupée de l'opération, moyennant une commission sur le cachet de l'artiste et le loyer de la salle. Crise du disque oblige, les concerts privés sont devenus l'une des activités les plus prometteuses de la major - filiale de Vivendi - qui s'efforce de faire feu de tout bois.

Ainsi, en mars, le groupe Jamiroquai a été prié de venir chanter pour les 15 ans de la marque de prêt-à-porter Paul & Joe, et la chanteuse Micky Green a récemment rendu le même service pour l'horloger JaegerLecoultre. « Nous ne pouvons plus nous contenter de vendre des disques, explique Pascal Nègre, le président d'Universal Music France. Au sein du groupe, la filiale française est une sorte de laboratoire pour cette diversification. » En 2008, il a même créé une division baptisée U Think !, chargée d'explorer et de développer toutes les possibilités de nouvelles activités. L'heure était grave. Depuis 2002, début de la crise du secteur en France avec l'arrivée de l'Internet à haut débit et le développement du téléchargement illégal, le marché du disque a fondu de plus de 60 %. Dans un premier temps, cette industrie qui avait l'habitude de mener grand train a dû se serrer la ceinture. Les artistes les moins rentables ont été remerciés et des centaines d'emplois ont été supprimés.


Mais il fallait aller plus loin encore, sous peine de disparaître. « Ils ont été confrontés à un bouleversement aussi dramatique que l'arrivée du numérique pour les fabricants d'appareils photo, commente Serge Assayag, associé au cabinet Weave. Mais la force d'Universal, c'est son catalogue et un portefeuille unique d'artistes. Une vraie mine d'or à une période où tout le monde était à la recherche de contenus. » Tout en exigeant urbi et orbi une loi répressive contre le piratage, Pascal Nègre a trouvé de nouveaux débouchés à son entreprise.

A défaut de vendre de la musique, il a utilisé son catalogue d'artistes pour séduire des entreprises désirant s'adresser aux jeunes. Ainsi, il s'est associé à Bouygues Telecom pour lancer Universal Mobile en 2004, opérateur dans la téléphonie mobile spécialisé dans les forfaits bloqués, qui compte aujourd'hui 1,5 million d'abonnés. En 2008, il a lancé la carte de paiement So Music avec la Société générale - 200 000 détenteurs à ce jour. En incluant une offre de musique numérique dans des packages téléphoniques et bancaires, il récupère des clients payants. Ceux-ci sont persuadés que la musique qui leur est offerte dans ces packages est gratuite ; en réalité, ils la paient bien et deviennent même abonnés.

Dans le même temps, la major a mis l'accent sur une activité jusqu'alors marginale : le merchandising, c'est-à-dire la vente, très lucrative, de produits estampillés du nom des artistes. « Cela faisait déjà plusieurs années que nous avions eu l'idée de vendre des tee-shirts, des casquettes et des briquets d'artistes en dehors des tournées, à la Fnac, à Carrefour et à Virgin, explique Cécile Rap-Veber, directrice d'U Think !. Depuis 2005, nous sommes passés à la vitesse supérieure. »

Ainsi, aujourd'hui, Universal vend une large gamme de textiles auprès de Zara, H & M, Cache-Cache, Pimkie, Jennyfer, La Redoute et les 3 Suisses, mais aussi, en fonction de l'actualité, dans les enseignes de supermarchés et les magasins de disques. Ses marques les plus fortes ? Les Rolling Stones et leur célébrissime logo en forme de bouche, AC/DC, Metallica, portées aussi bien par les enfants que les grands-parents de la génération des papy-boomeurs, Lady Gaga ou encore Michael Jackson, qui avait confié lui-même son merchandising à Universal avant sa mort.

Mais la cash machine du moment s'appelle Justin Bieber. Le jeune chanteur canadien est la coqueluche des gamines de 7 à 14 ans, comme en témoigne son concert à guichets fermés à Bercy le 29 mars. « Le phénomène est tel que nous avons pu faire de la publicité télévisée uniquement pour les produits dérivés lors des dernières vacances scolaires, en rappelant juste à la fi n du spot que le disque de l'artiste est également en vente », explique Cécile Rap-Veber, qui a conçu un assortiment adapté à ce public avec des bracelets à 3 euros, des agendas, des stylos et des tee-shirts à 15 euros vendus dans plus de 200 magasins en France.


Prochaine opération d'envergure : « En 2012, pour les 50 ans des Stones, on va utiliser leur marque tous azimuts avec leur appui total, explique la directrice de U Think ! qui a récemment signé un accord de licence avec l'éditeur d'agendas Quo Vadis pour le compte des rockers britanniques. « Ils sont d'accord, c'est maintenant ou jamais », s'exclame cette avocate de formation qui passe le plus clair de son temps à négocier des contrats de licence et de distribution.

Autre débouché stratégique : Universal démarche les annonceurs pour qu'ils recrutent des chanteurs dans leurs publicités. « La chanteuse du groupe Coeur de pirate était une fan des Pokémon. Nous l'avons signalé à Nintendo qui l'a engagée pour la publicité de sa console portable DS. » C'est aussi Universal qui est allé convaincre Coca-Cola de confier à Mika le design d'une série limitée de bouteilles. De la même façon, Melody Gardot fait la promotion de la gamme Bose de Renault ; Jenifer celle de la Ford Ka ; Zazie, celle d'une marque de vêtements... « Nous avons une licence d'agence de mannequins pour répondre aux demandes des annonceurs », explique-t-on à Universal. Johnny Hallyday avec Optic 2000, Vanessa Paradis avec Chanel ou Marc Lavoine avec Cerruti 1881 avaient montré la voie, mais désormais, une maison de disques est dans la boucle, en rapprochant artistes et annonceurs, en négociant pour le compte de ses chanteurs et... en percevant une commission de l'ordre de 20 % du cachet.


Une autre activité se développe aussi très vite à Universal Music : le placement de produits dans les clips. La loi française, poussée par la législation communautaire, a ouvert cette possibilité il y a quelques mois seulement. « Nous avons placé une montre dans le clip des Black Eyed Peas, Lacoste dans celui de Ben L'Oncle Soul, Swarovski dans celui de Jennifer Lopez et les enceintes Parrot dans le clip de Lady Gaga... » La chanteuse déjantée pousse très loin le principe, puisque dans ce même clip, pas moins de dix marques font une apparition publicitaire (iPod, Wii, Parrot, La Perla, Nemiroff...). Aux Etats-Unis, certains ricanent de cette artiste devenue une papesse du téléachat. Cela lui réussit : elle a empoché 62 millions de dollars en 2010.

Mais à Universal Music, la révolution la plus spectaculaire s'est faite sur Internet. Après une période de haine puis de méfiance pour ce média qui lui siphonne son principal actif, sa musique, la major a fi ni par se convaincre que le Web 2.0 lui offrait une plate-forme très efficace pour attacher le public à ses artistes. « Plus le lien sera fort entre un artiste et sa communauté de fans, et plus il sera possible de remplir les salles de concerts et de générer des ventes de produits dérivés, explique Serge Assayag, du cabinet Weave.

C'est d'abord sur YouTube, Facebook et les autres réseaux sociaux qu'un lien a été tissé avec le jeune public via des pages consacrées aux artistes et sur lesquelles de plus en plus de contenus ont été laissés en accès libre. Puis, en janvier, Universal Music, fort d'une base de plus de 3 millions de clients, a franchi un nouveau pas en lançant sa propre webtélé, baptisée Off.

Il s'agit d'un portail offrant une profusion de vidéos et d'interviews d'artistes Universal. Rock stars, rappeurs, chanteurs à texte, musiciens... ils sont tous mis à contribution, filmés en coulisses, en promotion, en studio, répétitions et concerts. De quoi réjouir n'importe quel fan. « Nous produisons la totalité des contenus nous-mêmes », explique Xavier de Baillenx, le directeur d'Off. Alors qu'ils se prêteraient sans doute moins au jeu avec des cameramen inconnus, les chanteurs ouvrent leurs portes et leurs studios à l'équipe télé de leur maison de disques. « Ils considèrent cela comme de la promo, reconnaît Xavier de Baillenx. On les met en valeur, mais cela ne ressemble pas à de la pub. » Déjà, les séances live ont séduit d'autres médias, tels que les portails BlackBerry et Samsung, qui achètent certains contenus clés en main à Universal, et SFR (groupe Vivendi) lui offre un canal pour créer une chaîne de télé musicale en septembre. « Nous nous rémunérerons par la publicité », annoncent les responsables d'Universal qui veulent voir Off atteindre l'équilibre financier dès la première année. En créant son propre média, qui va promouvoir ses produits et apporter de nouveaux revenus, la major compte devenir moins dépendante des radios et chaînes de télé.


De quoi redonner le sourire à Pascal Nègre. Il consacre déjà un tiers de ses moyens humains à l'ensemble des « nouveaux business » qui, logiquement, comptent pour un tiers de ses bénéfices. Mais le succès s'apprécie aussi aux orientations que l'on a évitées : « Je ne regrette pas de ne pas avoir racheté de producteur de spectacles. » Ce métier est loin d'être l'eldorado que certains prédisaient.




A l'échelle mondiale, les quatre majors - Universal, Sony, EMI et Warner - se partagent près de 80 % du marché de la musique enregistrée. Mais si les petites maisons disparaissent, la domination des Big Four a été sérieusement affaiblie par la crise. En 2007, Live Nation, le leader mondial de la production de spectacles, propriétaire de nombreuses salles américaines, a profité de cette situation pour offrir 120 millions de dollars à Madonna, jusqu'alors chez Warner, en échange d'un contrat global pour l'ensemble de sa production discographique, son merchandising, ses contrats publicitaires et ses spectacles. Aujourd'hui, Warner et EMI sont à vendre. « Nous regardons forcément les dossiers sans intention précise et déclarée », confie Pascal Nègre, à Universal Music.
Sony Music et plusieurs fonds d'investissement sont sur les rangs. Son PDG refuse de l'avouer, mais Live Nation, qui vient de racheter le marchand de billets de spectacles Ticketmaster, aimerait bien s'offrir une major. Le gouvernement américain a bloqué l'absorption de Ticketmaster pendant près de deux ans avant d'accepter, mais il pourrait bien s'opposer à la construction d'un tel géant intégré de la musique.

Dirigée par Pascal Nègre depuis 1998, Universal Music France conforte sa première place année après année dans l'Hexagone. Elle est la seule major à enregistrer une progression de son chiffre d'affaires.

Incontournable Pascal Nègre. Treize ans après avoir pris la présidence d'Universal Music France, il a fait de la major qu'il préside l'une des rares entreprises florissantes du secteur dans l'Hexagone. La France symbolise à elle seule la domination qu'exerce Universal Music sur le marché de la musique enregistrée et les inquiétudes qu'inspire le projet de rachat d'EMI. Selon les données obtenues par « Les Echos », Universal Music a été la seule et unique major à voir son chiffre d'affaires progresser l'an dernier, dans un marché globalement en baisse de près de 6 % (hors droits voisins).

Avec 231 millions d'euros de revenus en 2011 ( 2 %), Universal Music France s'offre le double luxe d'accroître sa part de marché, à 45 % (contre 41 % en 2010), et de creuser l'écart avec les autres majors. Son premier concurrent, Sony Music, n'a atteint que 19 % de part de marché l'an dernier, son chiffre d'affaires ayant chuté de 19 %. La situation a aussi été difficile pour EMI, qui a vu son chiffre d'affaires fondre de 23,5 % et sa part de marché ramenée à 13 % en 2011. Seul Warner Music, racheté au printemps dernier par le milliardaire américain d'origine russe Len Blavatnik, a mieux résisté l'an dernier (- 5 % pour son chiffre d'affaires et une part de marché maintenue à près de 14 %). Mais les trois majors sont loin derrière Universal Music, qui semble surfer sur la crise.

Le calcul est rapide : le rapprochement entre Universal Music et EMI créerait, en France, un groupe doté d'une part de marché de près de 58 % ! Sur certains créneaux, le nouvel ensemble serait encore plus dominant. Ainsi, dans la musique classique, sa part de marché frôlerait les 80 %... Universal Music d'un côté, avec Deutsche Grammophon et Decca, et EMI Music de l'autre sont en effet, et de très loin, les deux maisons de disques les plus actives dans ce domaine. Le pouvoir de négociation d'Universal Music avec la FNAC, par exemple (43 % des ventes de musique classique en France) serait donc, dans ce domaine, sans comparaison avec celui des autres labels de musique classique. Dans le jazz, le mariage créerait une entité régnant sur 75 % du marché.

Mais ce n'est pas tout. Universal Music-EMI aurait aussi un poids considérable dans les relations avec les médias, qui sont stratégiques pour l'industrie musicale.


Le nouvel ensemble représenterait en effet 60 % des investissements publicitaires de la filière en radio, et 54 % en télévision. De quoi lui donner un accès privilégié à ces deux médias qui, même avec l'essor d'Internet, restent prédominants pour faire émerger un artiste ou promouvoir un album. Exemple de la suprématie dont bénéficie déjà Universal Music : aux derniers NRJ Music Awards de fin janvier à Cannes, devenus l'événement médiatique incontournable pour la filière musicale devant les Victoires de la musique, la moitié des artistes présents sur le plateau (Mylène Farmer, Calogero ou Mika) étaient issus de labels appartenant à Universal Music. Détenteur de l'un des plus vastes catalogues internationaux, qui lui assure des ventes récurrentes, mais aussi découvreur incontestable de talents français, Pascal Nègre est déjà l'homme fort de la musique en France. Le rachat d'EMI le rendrait encore plus puissant.
G. P.

http://www.lesechos.fr/entreprises-secteurs/tech-medias/actu/0201882716536-en-france-universal-music-controle-pres-de-la-moitie-du-marche-musical-285283.php

Léna Lutaud