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Cérémonie des César: «Quand la morale s’empare de l’art, la liberté est en danger»
FIGAROVOX/TRIBUNE - La 45ème cérémonie des César du cinéma français se déroulera dans un climat particulièrement tendu, en raison notamment de la démission récente de la direction de l’académie et de l’affaire Polanski. Benjamin Sire revient sur les enseignements de ces polémiques et appelle à défendre l’autonomie de l’oeuvre d’art.
Par Benjamin Sire
Publié le 28 février 2020 à 17:16, mis à jour le 28 février 2020 à 18:31
L’affaire n’est pas nouvelle. La question du rapport entre l’art, sa fonction, et la morale occupe les philosophes depuis la plus profonde antiquité. Elle prend une certaine importance dans la littérature platonicienne qui, réprouvant l’attachement des œuvres au sensible, ne leur accorde du crédit qu’à la seule condition de la prévalence de leur vertu pédagogique sur leur caractère artistique. Elle irrigue les siècles par la suite, entre théorie autonomiste, voulant libérer l’art de toute confrontation morale, et moralisme faisant de celle-ci un élément central du jugement pouvant s’appliquer à l’œuvre.
En 1879 le moraliste français Constant Martha, voulant trancher la question, écrivait à ce sujet dans la Revue des Deux Mondes:
«On ferait bien de consulter tout d’abord l’Histoire, car le conflit entre l’art et la morale a de tout temps existé sous des formes diverses. L’art doit-il se mettre au service de la morale? L’histoire répond qu’il ne le pourrait pas, quand même il consentirait à renoncer à sa juste indépendance. La morale religieuse ou philosophique est, de sa nature, si jalouse de son droit, si exclusive, si dominatrice, si amie de la discipline, que bientôt elle aurait enchaîné son esclave ou l’aurait même anéanti.»Ces joutes restent plus ou moins innocentes tant qu’elles se concentrent sur la création. Elles s’avancent sur un terrain autrement plus glissant quand elles convoquent la moralité même des créateurs et s’interrogent sur la possible séparation entre ces derniers et leurs œuvres. Or, c’est très exactement ce que nous vivons aujourd’hui, à l’heure de la prédominance d’origine anglo-saxonne d’un «politiquement correct» qui applique à toute œuvre une grille de lecture morale où se bousculent les notions de sexualité, de genre, de revendications identitaires ou encore «d‘appropriation culturelle».
Il a quelques semaines, le dessinateur Xavier Gorce, connu pour sa représentation de pingouins s’exprimant sur les questions politiques du moment, mettait en scène deux d’entre-eux dont l’un disait à l’autre:
«Le livre que je suis en train de lire est archi nul, mais l’auteur est moralement irréprochable». Cette phrase est la parfaite représentation des enjeux auxquels nous sommes actuellement confrontés.
L’artiste se voit aujourd’hui intimer l’ordre de s’avancer vierge de toute turpitude.
Ainsi, non seulement l’art devrait être parfaitement moral et en conformité avec un «progressisme» dont les contours évoluent pourtant d’une époque à l’autre, mais l’artiste lui-même se voit intimer l’ordre de s’avancer vierge de toute turpitude. Une telle conception devrait faire sourire, tant, si elle avait été appliquée au fil des siècles, elle aurait vidé nos musées et nos bibliothèques de l’essentiel de leur contenu. Encore plus si les valeurs d’une certaine époque se voyaient interrogées à l’aune de la nôtre, comme cela s’est pourtant récemment produit avec les attaques au parfum de censure contre la mise en scène des
Suppliantes d’Eschyle, par le plus parfait helléniste Philippe Brunet, au prétexte que la pièce ainsi présentée serait
«colonialiste, afrophobe et raciste».Exit donc les œuvres à contre-courant de la morale de l’époque, dont la liste incontinente ne pourrait être dressée en une vie. Exit donc les artistes tutoyant la drogue, l’alcool, la perversion sexuelle, les idées politiques minoritaires ou jugées dangereuses. Exit encore, et à double titre, les œuvres équivoques produites par des personnalités ne l’étant pas moins. Exit finalement l’art dans son ensemble, à l’exception de celui flattant tantôt le régime en place, tantôt les tenants de la morale dominante, quand ce n’est pas les deux en même temps. Chaque fois dans l’Histoire récente que cette notion de morale et ses soubassements politiques se sont emparés de l’art, c’est toujours la liberté dans son ensemble qui s’est vue mise en danger.
Chaque fois que cette notion de morale et ses soubassements politiques se sont emparés de l’art, c’est toujours la liberté dans son ensemble qui s’est vue mise en danger.
Passons sur l’époque où l’art officiel était intimement lié aux désirs du souverain où à celui de l’église. Il n’en existait pas moins une certaine capacité de licence dont le théâtre était le centre, comme jadis le bouffon, bien que cette expression ne fut pas sans risque. Les Rois, comme leurs vassaux, savaient parfois l’importance d’une certaine ironie et la nécessité de voir leurs travers exposés, pour mieux les corriger ou en faire des armes alimentant telle ou telle rivalité.
Dans tous ces cas, comme plus récemment dans certaines dictatures, la création est avant tout envisagée comme outil de propagande ou de définition d’un cadre moral pouvant atteindre la liberté. Celle qui ne fait pas office ou de l’un ou de l’autre est alors écartée ou donnée en exemple des perversions à bannir.
On pense alors inévitablement à la fameuse exposition «l’Art dégénéré» initiée par le régime nazi à Munich en 1937. Les œuvres présentées sont censées témoigner de «l’abomination» que produisent le bolchevisme et le judaïsme, créant par ailleurs une dichotomie entre un art moderne jugé dégénéré et un art héroïque flattant la race aryenne et ses exploits. Cette distinction entre une modernité refuge de toutes les perversions et expression d’un certain classicisme représentant les bonnes mœurs se reproduit souvent. Mais elle est plus souvent le reflet d’un conflit de générations davantage qu’un véritable enjeu politique. Comme le dit encore Constant Martha:
«Les jeunes gens jugent moral tout ce qui les amuse ; les vieillards condamnent ce qui choque l’idéal de leur jeunesse». On rencontre cette même idée dans les cris d’orfraie poussés par les ligues de vertus à la naissance du rock’n’roll, quand les déhanchements d’Elvis Presley où les mimiques de Mick Jagger affolaient la jeunesse occidentale. Quelques décennies plus tard, cette même jeunesse friande de rock, passée dans le camp de la maturité, s’est mise à vomir le rap émergeant au nom des mêmes principes.
Mais ce n’est pas ici tant la morale de l’artiste qui est forcément interrogée que son œuvre. Elvis n’a pas été condamné pour ce qu’il était par nature, mais pour la perception que l’on pouvait avoir de sa musique et de sa manière de l’interpréter. C’est toute la différence avec la critique nazie de «l’art dégénéré», qui mettait avant tout en accusation le fait que les artistes étaient juifs ou communistes, si ce n’est les deux. C’est encore cette question qui se pose aujourd’hui, comme ce fut d’une autre manière le cas durant la période du maccarthysme. Les artistes étaient écartées non à raison du message qu’ils émettaient dans leurs œuvres, mais à raison de leurs idées politiques, même si celles-ci ne transpiraient pas dans leurs créations.
C’est à cet opprobre qu’est par exemple aujourd’hui confronté Roman Polanski. Nul ne reproche à son film, ni son sujet, ni son traitement, mais le fait même qu’il puisse être présenté à l’heure où #MeToo fait des ravages dans la production cinématographique, autant qu’il éclaire positivement sur les abus sexuels ayant eu cours dans la profession.
Seules les œuvres, et non le pedigree de leurs auteurs, mériteraient d’être considérées pour les Césars.
Il y a pourtant dans cette affaire des César une nouveauté qui ne présage rien de bon et témoigne des petits arrangements avec cette fameuse morale que peut produire la période que nous traversons, où la question identitaire bat son plein. Polanski, comme d’ailleurs Woody Allen, a sans doute commis des actes condamnables qui enfreignent la loi, mais ceux-ci, à la différence par exemple de ceux reprochés à Gabriel Matzneff, ne transparaissent pas spécialement dans son œuvre.
Or, l’autre favori des César, Ladj Ly, le réalisateur du film «Les Misérables», s’est vu lui aussi impliqué dans des faits d’une particulière gravité dans une sordide affaire de mœurs. Certes ce dernier a payé sa dette en passant par la case prison, mais cela ne lui donne pour autant pas un quitus moral. Seulement voilà, à l’âge identitaire, il coche plusieurs cases d’immunité mises en avant par les «progressistes», à savoir venir de banlieue et être «racisé», selon l’expression à la mode. Dans les deux cas pourtant, seules les œuvres mériteraient d’être considérées pour les Césars et non le pedigree de leurs auteurs. Parce que s’y refuser serait aussi, concernant les deux films, passer à côté de leurs sujets, fondamentaux, à savoir d’un côté l’affaire Dreyfus dans un contexte de montée de l’antisémitisme, et de l’autre la question de la banlieue dans un moment où les violences policières ne cessent d’être interrogées.
Cela revient donc d’un côté à invalider un message à l’aune de la biographie de son émetteur, de l’autre à laisser à une autorité morale indéfinie le choix liberticide de décider de ceux qui ont le droit de s’exprimer. Or, cette autorité morale est aujourd’hui représentée, davantage que par des gouvernements, par des groupements d’intérêts privés se réclamant du progressisme, dont les motivations visent à établir une hiérarchie identitaire entre les êtres humains. Ceux-ci se voient essentialisés en fonction de leur genre, de leur couleur, de leurs mœurs ou de leur âge, comme en témoigne le hashtag #OKBoomer visant à discréditer toute parole émise par un senior. Se retrouve ici, comme en d’autres domaines, une prévalence différentialiste ayant la volonté d’ébranler les fondements universalistes de notre société et d’instaurer une sorte de dictature des minorités. L’art dans son ensemble et le cinéma en particulier ne méritent pas ça.
https://www.lefigaro.fr/vox/societe/ceremonie-des-cesars-quand-la-morale-s-empare-de-l-art-la-liberte-est-mise-en-danger-20200228
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