GUSTAVE KLIMT

GUSTAV KLIMT
(1862-1918)



Gustav Klimt est né le 14 juillet 1862 à Baumgarten dans la banlieue de Vienne en Autriche.
Il est le second d'une famille de sept enfants,
dont le père Ernest Klimt exerce le modeste métier d'orfèvre ciseleur,
et dont la mère Anna Finster est chanteuse lyrique.
Gustav Klimt démontre son réel goût pour les arts et pour la décoration,
et entre dès 1876 à l'Ecole des Arts Décoratifs de Vienne
où il suit les cours de peinture du professeur Laufberger.

En 1880, il crée un atelier de décoration avec son frère Ernst et un ami Frantz Matsch.
Son habileté et la finesse de ses travaux sont rapidement reconnus
et il se voit confier de nombreuses décoration de murs et de plafonds de villas,
mais aussi de théâtres et édifices publics.

C'est ainsi qu'il décore la salle de réunion du Palais Sturany à Vienne,
puis une salle du Château Royal de Palesch en Roumanie,
ainsi que la Villa Hermès de Lainz ou encore les escaliers du Burgtheatrer de Vienne.

L'évènement le plus important dans ces années là est l'achèvement de la décoration
de l'escalier du Kunshistorisches Museum qu'il mène à bien,
malgré le décés du maître d'oeuvre de ce travail conduit par le peintre Hans Mackart,
lequel travail consolide encore sa réputation.
Ainsi jusqu'en 1890, Gustav Klimt aura eu un début de carrière
fait d'une solide réputation de peintre décorateur répondant à des demandes
officielles de peintures architecturales, mais sans réelle originalité,
car éloignée au fond de lui de ses goûts personnels pour un art moderne
dans lequel il a envie de s'exprimer totalement.


L'ARBRE DE VIE.

Il prend pour compagne Emilie Flöge qui tient une maison de couture,
et se rapproche en ces débuts des années 1890 des écrivains Arthur Schniltzer,
Hofmaansthal et Hermann Bahr
tout en s'interessant au symbolisme et à l'impressionnisme français.
En 1895, lors d'une exposition à Vienne, il découvre les oeuvres de Liebermann,
de Félicien Rops, mais aussi de Klinger, Böcklin et Rodin.

Avec certains de ses amis dont Moser, Joseph M.Olbrich et Carl Moll,
il crée en 1897 un journal intitulé "Ver Sacrum" (Printemps Sacré),
avec l'ambition de créer un édifice consacré aux arts.

Il participe la même année à la fondation de l'Union des Artistes Figuratifs,
appelée aussi la " Sécession", avec dix neufs autres artistes de la Küntlerhaus de Vienne.
Il devient le président de cette association, dont l'objectif est de réformer
la vie artistique de l'époque et de réaliser des oeuvres d'art qui élèvent
" l'art autrichien à une reconnaissance internationale à laquelle il aspire".

Il s'agit aussi pour ces artistes de combler le fossé existant entre l'art et les arts dits mineurs,
de rapprocher les objets utilitaires et les objets d'arts, de transformer le monde au moyen des arts. Les arts doivent éveiller les consciences et s'éloigner de toute compromission avec l'art et l'académisme établis.

Cette fondation est en quelque sorte la réponse au mouvement "Art Nouveau " en France
et au "Jugendstil" qui se développe en Allemagne.
Le magazine "Ver Sacrum" devient le moyen d'expression de la "Sécession",
et le porte parole de cette volonté de changer le monde,
tandis que Joseph M. Olbrich parvient à réaliser cet édifice dédié aux arts et souhaité par Klimt,
pour donner aux jeunes artistes figuratifs un lieu permanent d'exposition pour leurs oeuvres.

LE BAISER DE KLIMT

Cette peinture, initialement placée dans la salle à manger du palais Stoclet à Bruxelles
est ensuite acquise par la Österreichische Galerie de Vienne.


Le tableau "Le Baiser" qui est le tableau le plus représentatif du génie de Gustav Klimt

Le Baiser est la plus célèbre des ceuvres de Klimt,
et on le considère généralement comme le sommet de la « période dorée » du peintre,
celle où les motifs géométriques de l'ornementation menaçaient d'engloutir l'élément humain.

Klimt est parvenu ici à maintenir l'équilibre grâce à une représentation des personnages
pleine de force et de sensualité :

Cette peinture apporte à l'art la conception de modernité
par ce rapport à l'érotisme répandu chez Klimt,
comme par la dimension presque sacrée que le peintre voulait donner à ses toiles.

Il s'agit ici du thème de l'étreinte amoureuse.
Un couple est enlacé sur un parterre de fleurs à l'image d'une prairie,
et est enveloppé dans un ample vêtement doré.
La décoration de ce dernier, à l'image d'une mosaïque, varie selon le sexe :
des rectangles noirs et blancs pour l'homme, des cercles colorés pour la femme.
De cet ensemble émergent les têtes et les mains qui constituent l'expression
la plus forte de l'intimité dans cette peinture.
La femme agenouillée se donne à son compagnon les yeux fermés
et se laisse aller à la passion de l'amour.
Cette peinture évoque un monde d'harmonie où le couple est isolé
dans la sublimation du sentiment amoureux,
ignorant du monde réel et évoluant ensemble
dans une même impression de puissance amoureuse.
Klimt assimilait le plaisir sexuel à la joie artistique et lui donnait une dimension spirituelle.
Il était aussi particulièrement attaché à la représentation d'une beauté idéale.

La plupart des oeuvres de Klimt peuvent donner lieu à bien des interprétations,
mais son utilisation antérieure du thème du couple enlacé dans la Frise Beethoven
et la FriseStoclet permet de voir dans Le Baiser, et sans aucun doute possible,
l'ultime accomplissement de la quête humaine du bonheur.



Par sa conception moderne de l'art, Klimt s'inscrit
dans le mouvement de la Sécession Viennoise dont il est le premier Président
et qui veut s'éloigner des règles esthétiques et techniques de l'Académie
en recherchant une autre expressivité.
Il s'inspire du symbolisme de même que des estampes japonaises.
Le rôle de l'art doit connaître une nouvelle définition dans la société
et cette recherche s'exprime ici avec le Baiser.

Portrait d'Adèle Bloch-Bauer

Cette robe est une sublime référence à celle portée par la muse favorite de Gustav Klimt,
Adèle Bloch-Bauer.
L'ampleur est la même,une harmonie se dégage de l'effet bouffant
du bas dans une sorte de symétrie,
effet-miroir avec la chevelure... Les couleurs sont étourdissantes.
Entre autres détails précieux, les feuilles d'or, si chères à Klimt dans son souci
du détail et de l'ornementation.
(ne surtout pas oublier que Klimt a commencé par la décoration ornementale
avant de l'introduire en peinture ).



Le magnat new-yorkais des cosmétiques Ronald Lauder a acquis le célèbre portrait
d'Adele Bloch-Bauer de Gustav Klimt, datant de 1907,
pour le prix le plus élevé jamais atteint par une peinture.
"C'est le tableau le plus cher jamais vendu", a indiqué à l'AFP Steven Thomas, avocat de la vendeuse,
qui n'a toutefois pas donné de prix, couvert par un accord de confidentialité entre les parties.
Selon le New York Times, qui cite des experts proches de la négociation,
M. Lauder aurait payé 135 millions de dollars.

Le portrait, intitulé "Adele Bloch-Bauer 1", sera installé et présenté au public
à la Neue Galerie de New York, musée consacré à l'art allemand et autrichien des années 1890-1940,
co-fondé par M. Lauder il y a cinq ans.
Ce chef d'oeuvre du maître autrichien de l'art nouveau représente l'épouse d'un industriel du sucre juif,
hôtesse d'un salon littéraire de Vienne, réalisé sur fond de motifs et de lignes dorés.
Il a été pendant des années au centre d'une bataille de restitution entre le gouvernement autrichien
et une nièce de Mme Bloch-Bauer, qui a finalement obtenu gain de cause début 2006,
après avoir argué que le tableau avait été indûment pillé par les nazis.
Ce tableau a été sauvé de la destruction à l'époque.
Après avoir quitté Vienne où il était resté exposé une soixantaine d'années,
le tableau était depuis avril exposé au Los Angeles County Museum of Art (Lacma),
près du domicile de sa propriétaire, Maria Altmann, 90 ans, Américaine
d'origine autrichienne et nièce d'Adele Bloch-Bauer.

"Il était important pour les héritiers et ma tante Adele que sa peinture soit exposée dans un musée (...)
Nous avons choisi un musée qui soit un pont entre l'Europe et les Etats-Unis",
a cependant expliqué Mme Altmann.
"La famille voulait qu'il soit dans un musée", a indiqué son avocat lundi.
"Nous sommes tous très contents".
En Autriche, collectionneurs et spécialistes ont aussi exprimé leurs regrets
que leur pays n'ait pas agi à temps pour garder le tableau.

Selon la Neue Galerie, il sera exposé à New York du 13 juillet au 18 septembre 2006
avec quatre autres Klimt également propriété de la famille Bloch-Bauer,
eux aussi restitués aux héritiers par le gouvernement autrichien.
Après le 18 septembre, "Adele Bloch-Bauer " restera exposé et visible
dans la collection permanente de la Galerie.

Grand collectionneur de Klimt et de Schiele, Ronald Lauder,
dont la fortune était estimée à 2,7 milliards de dollars en mars par le magazine Forbes,
a été ambassadeur des Etats-Unis en Autriche en 1986-87.

LA DAME A L'EVENTAIL
1917-1918



On ignore pourquoi Klimt a décidé de peindre le portrait de Johanna Staude,
lui conférant ainsi un statut particulier parmi les nombreuses modèles qu'il emploie à l'époque.
D'après le récit de Johanna, Klimt a volontairement laissé le tableau inachevé
pour s'assurer qu'elle reviendrait à son atelier mais,
à cause de la mort de l'artiste (6 Février 1918) le projet tourne court...

Etonnante cette palette des couleurs du Sud chez un Viennois, ce tableau me fait penser
à une création de la collection Christian Lacroix grand couturier originaire d'Arles.

JAEGER-LECOULTRE - Atmos spécial Gustav Klimt




Pour le 150ème anniversaire de la naissance de Gustav Klimt, la Manufacture édite une série limitée à 10 exemplaires de la pendule ATMOS Marqueterie.




L'Atmos Marqueterie Gustav Klimt. © Jaeger-LeCoultre




En 1904, un financier belge, Adolphe Stoclet, commande à Gustav Klimt la réalisation des mosaïques murales d'un luxueux palais qu'il construit à Bruxelles sur les plans de l'architecte Josef Hoffmann. Parmi les esquisses du peintre, le célèbre tableau « Le Baiser » où il cristallise toute sa richesse décorative. Plus d’un siècle est passé et l’oeuvre de Klimt demeure toujours aussi vivace et fascinante.


Jaeger-LeCoultre lui dédie une nouvelle série limitée à dix exemplaires de la pendule Atmos Marqueterie, incarnation parfaite des valeurs de l’Art Nouveau réinterprétées par les traditions artisanales de la Manufacture.


Le cabinet reproduit fidèlement « Le Baiser » et lui offre la virtuosité de métiers rares qui, seuls, peuvent répondre à celle du peintre symboliste autrichien.




Plus de 1 200 pièces de bois découpées individuellement, laissées brutes ou recouvertes de feuilles d’or à la manière de Klimt, puis collées les unes contre les autres, tapissent le cabinet de l’Atmos d’une somptueuse marqueterie entièrement réalisée à la main.


Le souci du détail cher à la Grande Maison a poussé l’artisan à conjuguer diverses tonalités d’or, allant du jaune au rose, afin de donner vie au tableau et mettre en lumière son chatoiement.

Les essences de bois les plus précieuses entremêlent leurs veines et leurs teintes dans un camaïeu de bruns et d’orangés, sur un fond en loupe d’amboine brune.
Ici du buis camassari côtoie du citronnier de Ceylan ; là, le paolo amarelo flirte avec la loupe de madrona.
L’érable rejoint le poirier; la loupe de tulipier s’associe au noyer ; la loupe de frêne au buis des Andes.

Au delà de la technique que requiert un tel travail de plusieurs centaines d’heures, le sens artistique du Maître marqueteur est déterminant à la beauté de l’oeuvre.



Doté d’un système mécanique discret, par le biais d’un bouton dissimulé dans le décor, le cabinet s’ouvre majestueusement sur ce temps qui occupe chaque parcelle de son corps.

Dans une enceinte en cristal de verre repose la pendule qui laisse s’écouler les heures avec une régularité sans faille.
L’affichage régulateur des heures et minutes s’accompagne de l’indication des mois et des phases de lunaison.
En parfaite harmonie avec les tons boisés et dorés de l’oeuvre du peintre, les détails des affichages forment un tableau nitescent sur cadrans de nacre naturelle.


Un saphir jaune taille coussin trône majestueusement à 60 minutes pour marquer le zénith, tandis que les index losange en bois pétrifié rappellent inexorablement à la terre.


La lune dorée aime les paradoxes, logée sur un disque en bois pétrifié et incrusté de diamants taille brillant qui viennent étoiler son ciel brun.


La roue des mois la coiffe d’une couronne en laiton argenté à l’esprit épuré et contemporain. Les rondeurs des cadrans, les rouages mécaniques apparents et le carrousel de couleurs mordorées répondent en écho aux arabesques de Klimt, liant passé et présent dans un même espace.






L'Atmos, cabinet fermé. © Jaeger-LeCoultre




À l’évidence, la pendule Atmos est intimement liée au temps. Par son style, qui traverse les âges avec un calme olympien depuis plus de 80 ans. Par son mécanisme quasi perpétuel, qui ne s’alimente que des variations de température.


Aujourd’hui, même s’il bénéficie de constants perfectionnements, le principe reste identique : ce sont les écarts thermiques qui fournissent l’énergie nécessaire au fonctionnement de la pendule. Le secret : une capsule hermétique contenant un mélange de gaz – à l’origine du mercure – qui se dilate lorsque la température augmente et se contracte lorsqu’elle baisse.


Associée au ressort d’entraînement de la pendule, la capsule fonctionne comme un poumon mécanique dont les respirations remontent le barillet au rythme des fluctuations atmosphériques.

Le moindre degré Celsius fait la différence, garantissant une réserve de marche de 48 heures. Son balancier annulaire fait preuve d’une économie exemplaire : n’oscillant que deux fois par minute, il consomme 250 fois moins d’énergie qu’une montre bracelet classique qui, pour sa part, nécessite une moyenne de 300 battements par minute.


Un mécanisme écologique avant l’heure, tellement parcimonieux qu’il faudrait 60 millions d’Atmos pour égaler la consommation d’une ampoule électrique de 15 watts.



http://www.worldtempus.com/fr/actualites/a-la-une/detail/article/1329296891-jaeger-lecoultre-atmos-special-gustav-klimt/